Il concetto di "finanza frutta bagagliaio significato" potrebbe apparire enigmatico, evocando un'immagine quasi surreale che mescola il mondo economico con elementi concreti e quasi domestici. Tuttavia, se analizzato attraverso le lenti critiche della filosofia, della sociologia e dell'arte contemporanea, questo termine apparentemente bizzarro può aprirsi a profonde riflessioni sulla natura del lavoro, sul ruolo dell'individuo nella società e sulle trasformazioni radicali che stiamo vivendo. La discussione che emerge dalla conversazione tra Pinksummer (PS) e Michael Beutler (MB), o ASE (Artistic and Scientific Endeavors, a seconda del contesto interpretativo), ci guida in questo percorso, partendo da considerazioni filosofiche classiche per approdare alle sfide più pressanti dell'era digitale e finanziarizzata.
La riflessione sul lavoro affonda le sue radici in pensatori come Georg Wilhelm Friedrich Hegel. Un paradosso della filosofia hegeliana è l'idea che il lavoro non esistesse prima di lui se non come "informe macula servile", eccezion fatta per rare e illuminanti eccezioni come la Sancta Regula dettata da San Benedetto con il suo precetto "ora et labora", prega e lavora. Per Hegel, il servo, lavorando, imprime la propria forma e razionalità sulla materia. Questo atto trasformativo non solo modifica il mondo esterno, ma conferisce al lavoratore una forma di autocoscienza e, in ultima analisi, una libertà superiore. Il lavoro viene così elevato a un atto fondamentale di auto-generazione dell'uomo; l'uomo è, in larga misura, il risultato del proprio lavoro. Soddisfacendo i bisogni della società civile, il lavoro inserisce il singolo in una rete complessa di dipendenza reciproca e di cooperazione. Attraverso il lavoro, si diventa soggetti storici, agenti attivi nel corso del tempo. Hegel, tuttavia, intravide appena il potenziale pericolo della meccanizzazione dell'uomo, un rischio latente nel lavoro astratto e parcellizzato che sarebbe stato amplificato dalla Rivoluzione Industriale.
La Rivoluzione Industriale ha segnato un punto di svolta, separando il lavoratore dal prodotto finito in una misura senza precedenti. L'operaio di fabbrica, impegnato in mansioni ripetitive e specializzate, spesso non vedeva il manufatto completo né comprendeva appieno il suo ruolo nell'intero processo produttivo. Questo fenomeno ha contribuito a una forma di alienazione, dove il lavoro, pur essendo necessario per la sussistenza e per la produzione di ricchezza, poteva apparire spersonalizzante e privo di un legame diretto con la creatività e l'intelligenza intrinseca dell'individuo. La filosofia e la critica sociale hanno a lungo dibattuto sulle conseguenze di questa scissione, evidenziando come la parcellizzazione del compito potesse ridurre il lavoratore a un semplice ingranaggio di una macchina più grande, compromettendo il senso di autorealizzazione.
Oggi, la situazione appare ulteriormente complicata, specialmente in questa fase di capitalismo finanziarizzato. Il lavoratore non è solo separato dal prodotto finito, come accadeva dopo la Rivoluzione Industriale, ma viene progressivamente "scollato" dalla propria intelligenza. In molti contesti, l'intelligenza umana viene utilizzata, spesso in modo indiretto, per addestrare algoritmi e intelligenze artificiali che, paradossalmente, potrebbero un giorno sostituirlo. Il cosiddetto "algorithmic management" basato sull'AI decide assunzioni, licenziamenti e carichi di lavoro, elaborando decisioni a partire da enormi quantità di big data.
Di fronte a questo scenario, sorgono domande cruciali: Cosa direbbero oggi pensatori come Hegel e Karl Marx sulla precarizzazione del lavoro, sulla compressione dei salari, sulla de-professionalizzazione e sulla "sussunzione reale" del lavoro al capitalismo digitale? La sussunzione reale, un concetto marxiano, descrive una fase in cui il capitalismo non si limita a sfruttare il tempo di lavoro (sussunzione formale), ma penetra e organizza il processo produttivo stesso, trasformandolo in funzione del capitale. L'AI e il management algoritmico sembrano portare questo concetto a un livello estremo, dove la logica del capitale finanziario e la tecnologia si fondono per ottimizzare ogni aspetto dell'attività umana, spesso a scapito del benessere e dell'autonomia del lavoratore. La compressione dei salari, la crescente precarietà dei contratti e la de-professionalizzazione, ovvero la perdita di competenze specifiche e di autonomia decisionale, diventano sintomi di un sistema che privilegia la flessibilità e la massimizzazione del profitto immediato rispetto alla stabilità e alla crescita professionale dei singoli.
Michael Beutler, interrogato sul futuro del lavoro in relazione all'IA, immagina che il lavoro esisterà sempre, sebbene in forme talvolta molto distaccate e altre volte simili a quelle tradizionali. Sottolinea l'esistenza di lavori che l'IA difficilmente potrà sostituire, citando l'esempio dell'idraulico. Egli riconosce l'impegno nella ricerca per rendere più individualizzati i processi edilizi grazie all'IA e agli strumenti robotici, ma evidenzia anche un lento passaggio verso la comprensione dei limiti intrinseci della tecnologia. Tutto diventa, inevitabilmente, più complesso e potenzialmente meno piacevole. Emergerebbe, secondo questa visione, un forte desiderio di routine più semplici e di modalità di lavoro più comunicative. Beutler confida che gli esseri umani manterranno il lavoro "alla loro portata", ma ammette che la situazione attuale è preoccupante e che non tutti possiedono il potere di autodeterminarsi. L'incertezza sul numero di persone che perderanno il lavoro a causa dell'IA rimane un interrogativo aperto e fonte di inquietudine.
In questo contesto di incertezza e trasformazione, l'opera di artisti come Michael Beutler viene spesso associata all'attivismo "Do It Yourself" (DIY), a un approccio anticonsumista e a una filosofia di empowerment che promuove l'autosufficienza. La creazione di alternative altamente creative e solidali prepara un "sostrato ontologico" sia nei team che vengono formati sia nei visitatori che interagiscono con le opere. Tutti diventano partecipanti attivi, trasformando l'esperienza artistica in un processo collaborativo e generativo. Esemplare in questo senso è stato il Progetto "Bozar Monumental Flow Motion" nella Horta Hall, dove la partecipazione del pubblico è stata centrale.
Storicamente, il progresso e il fiorire di invenzioni erano spesso opera di lavoratori manuali, inseriti in un clima collettivo e preparati filosoficamente dalla Rivoluzione Scientifica. Figure come Thomas Newcomen, inventore della macchina a vapore nel 1705, era un fabbro; John Kay, che nel 1733 inventò la spoletta volante, un filatoio meccanico, era un commerciante di stoffe; Abraham Darby, pioniere dell'industria siderurgica del Settecento, era un fonditore ex mugnaio. Questi erano lavoratori con una profonda voglia di sperimentare e un'energia inesauribile, la cui manualità e ingegno hanno plasmato il mondo moderno.
Michael Beutler difende l'idea che chiunque dovrebbe avere il diritto di esprimere la propria opinione e che sia positivo per tutti comprendere che ciascuno possiede una comprensione diversa di ciò che fa. Un manager, pur non avendo mai toccato direttamente il legno, potrebbe comunque avere idee preziose su come gestire o concepire una sedia realizzata da un falegname. Questa prospettiva sottolinea la fortuna di vivere in un mondo condiviso e la necessità di non rivendicare l'esclusività della conoscenza. L'interconnessione di saperi diversi, anche quelli apparentemente distanti, può portare a innovazioni e a una comprensione più ricca della realtà.
Un'analogia illuminante proviene dal mondo agricolo: per un contadino, la macchina più bella è quella che si integra talmente nel sistema della sua agricoltura da dissolversi completamente in esso. Questa metafora scardina radicalmente l'idea di consumo passivo. Non si tratta di un mero strumento da utilizzare e poi accantonare, ma di un elemento che diventa parte integrante e quasi invisibile del processo produttivo, ottimizzandone l'efficienza e la sostenibilità. Si potrebbe tornare indietro e immaginare, con metodo, l'idea di espressione libera senza apparire ridicoli? Potrebbe questo essere il senso di concetti come il "turning gate" o il "Flow Motion"? Senza nostalgie improduttive, queste idee potrebbero essere intese come "Puertas del retorno" (porte del ritorno) per ancorarci a quella che Hegel considerava la realtà oggettiva, un radicamento nella concretezza e nell'autenticità dell'esperienza.
Il concetto di "turning gate" (cancello rotante) evoca immagini potenti. Michael Beutler non può prevedere esattamente cosa farà l'opera "Onion" (cipolla), né se girerà, galleggerà o affonderà, poiché il processo creativo è in divenire. Tuttavia, il "Flow Motion" del Bozar viene descritto come un'opera quasi bizzarra, a bassa tecnologia, che avrebbe potuto essere realizzata già cento anni fa. La sua bellezza risiede nella semplicità e nel modo in cui il nostro stesso sistema visivo viene ingannato. L'opera genera situazioni intense e fa sì che le persone si uniscano. Entrando in un cancello rotante, tutto intorno si muove, ma senza un suono che accompagni il movimento, creando una sensazione visiva intensa. Il corpo percepisce il movimento, ma i piedi non camminano, inducendo per un attimo un distacco dallo spazio familiare della galleria e, forse, dai problemi esterni.
La metafora del "turning gate" ci riporta a riflessioni più profonde, quasi cinematografiche, evocando il film di Hong Sang-soo, "On the Occasion of Remembering a Turning Gate". Quest'opera esplora l'amore senza essere sentimentale, la ricerca del contatto e l'incontro con il vuoto. La battuta "È difficile essere umani, cerchiamo di non diventare mostri" risuona come un monito universale. Il regista parte da una favola coreana: un popolano che si innamora di una principessa si reincarna in un serpente. Seguendola, rimane fuori dalla porta del tempio - il "turning gate", un cancello del tempo - in un'attesa indeterminata e forse inutile, finché una tempesta lo spaventa. Il "turning gate" appare così una metafora del destino. A proposito di serpenti e Corea, viene in mente la figura dell'Imugi, un serpente antico, una sorta di divinità o oracolo che presiede al confine tra il sacro e il profano. L'Imugi sogna di diventare drago, è una creatura in divenire che aspira a un'evoluzione spirituale, rappresentando un potenziale non ancora realizzato.
Il ricordo di mostre passate, come "Keep Beating below 65°" nell'ottobre 2020, emerge in un contesto segnato dall'inizio della pandemia di Covid-19. Le parole di Beutler in quell'occasione risuonano ancora oggi: "Il Covid 19 è ancora in circolazione, e verrà affrontato solo quando lavoreremo tutti assieme. Internet ha aiutato a diffondere l'informazione e a tenere le persone impegnate nelle loro case solitarie, ma continua anche a spargere informazioni errate e molte verschwörungstheorien (teorie cospirazioniste). Internet mi ha dato modo di parlare con i miei studenti, ma incontrarci dopo qualche mese ci ha reso molto felici. Quindi, suppongo, Keep beating below 65° - perché non vogliamo che questa bella schiuma collassi. Sbattere energicamente ma con attenzione, direi." Questo appello alla cautela e alla collaborazione, evocato con la metafora della "schiuma" che non deve collassare, appare profetico. Durante la realizzazione di quella mostra, molti giovani del team si ammalarono di Covid, ma fortunatamente senza gravi conseguenze. Le parole e la mostra avevano offerto conforto, ma le forme "schiumose" della società civile sembrano da allora essere "un po' collassate", come se l'umanità fosse rinchiusa in un arcano meccanismo di difesa, attivato per respingere emozioni spiacevoli provocate da esperienze negative, trascinandoci in un circolo vizioso di ansia e paura.
La nuova personale di Beutler da Pinksummer si intitola "Onion" (cipolla). Questo titolo è stato oggetto di riflessione. Per gli antichi Egizi, la cipolla, con i suoi strati concentrici, rappresentava la vita eterna. Nell'esegesi biblica, era un simbolo di corruzione della mente e di dolore pungente; in altre epoche, simbolo di doppiezza per le false lacrime che provoca. È inevitabile pensare alla performance "The Onion" di Marina Abramović. Tuttavia, Beutler cita un libro per bambini italiano, "Le avventure di Cipollino", come possibile ispirazione, pur ritenendo che possa essere una coincidenza. Un altro motivo è l'uso architettonico della cipolla come simbolo di molteplici strati termici nelle pareti, per creare aree definite con temperature specifiche. In sé, "Onion" è una stanza all'interno della galleria, che a sua volta è una stanza all'interno del palazzo. Al suo interno ci sono altri strati: una piscina, una barca a forma di anello con un altro anello al centro e un palo come ancoraggio interno. Il palo impedisce alla barca di urtare i bordi della piscina, ma consente i movimenti di galleggiamento della struttura. Il centro della fontana non coincide necessariamente con il centro del movimento, suggerendo una complessità intrinseca e una dinamica non lineare.
La conversazione si sposta sul ruolo del linguaggio, citando Platone nel Cratilo, dove si dibatte se i nomi abbiano un legame naturale con le cose o siano pura convenzione. Michel Foucault ha ulteriormente ampliato questa riflessione, insegnandoci che il linguaggio non è mai neutro, ma parte integrante di un sistema di potere che disciplina e normalizza. Alcuni miti aborigeni australiani narrano che il mondo sia nato cantandolo. Le opere di Beutler nascono sempre da un'urgenza di dire qualcosa. Ci si interroga se l'arte sia un modo di "creare il mondo", o almeno di colmare le sue contraddizioni attraverso il linguaggio. Huizinga e Caillois hanno identificato nel gioco una matrice fondativa della cultura. Se il linguaggio, nelle pratiche performative di Beutler, è un gioco con regole, ruoli e mosse, la posta in gioco diventa la consapevolezza.
La risposta a questa domanda è che è il processo stesso a essere centrale: il continuum e l'istante che lo compone sono multipli e costruttivi. Il lavoro di Beutler sembra mettere costantemente alla prova l'idea di confine - tra arte e società, tra norma e sovversione, tra linguaggio e azione "senza parole e senza numeri". Il linguaggio, in questo contesto, può essere visto come una porta, una trappola o uno strumento di abitazione del mondo. Il "frame" - la cornice concettuale e spaziale - può cambiare per ogni performance ritenuta un oggetto d'arte.
La galleria Pinksummer, in qualità di galleria privata, è vista come il frame ideale per il progetto presentato. Non si tratta di introdurre la mostra come una semplice prima personale, ma come un progetto che "calza a pennello" e che l'artista negozierà con la galleria. Evitando per molti anni la collaborazione con gallerie private, questa occasione appare la più giusta per iniziare, rispettando il contesto, chi lo anima e i suoi obiettivi. L'opera diventa, in un certo senso, i collezionisti stessi, la linfa che può nutrire la ricerca. Queste persone del mondo reale, che "deviano straordinariamente nella complicità di immaginare possibili azioni non richieste, senza precedenti, irrazionali, talvolta spiazzanti", sono centrali. A Genova, è intervenuto sull'urgenza dei collezionisti di acquistare un lavoro e sostenere lo sviluppo della ricerca di cui quell'oggetto è parte, sulla fascinazione estetica e concettuale che li induce a partecipare.
Il progetto ebbe inizio nel 2013 durante le fiere d'arte a Basilea, Londra, Parigi e successivamente a Milano. Furono pubblicati annunci sui maggiori quotidiani per "collezionisti anonimi", proponendo riunioni di mutuo aiuto per coloro che non potevano smettere di collezionare arte contemporanea. Queste sessioni miravano a prendere atto dei contenuti condivisi, che venivano poi tradotti su altri supporti, alcuni già presenti nello spazio espositivo, altri aggiunti nel corso delle settimane. In una stanza più piccola, accessibile tramite una scala a spazi senza accesso, sono installati artefatti di ricerca eventualmente aperti alla partecipazione dei collezionisti, tramite i quali possono essere riattivati e contestualizzati.
Il testo cita un esempio di attivismo e solidarietà da parte di Tomás Saraceno, il cui lavoro con la Fondazione Aerocene supporta attività che né le gallerie né il suo studio possono sostenere da soli. Questo include un vero e proprio attivismo contro l'estrazione del litio, un processo che consuma acqua in luoghi del "Sud Globale" dove l'elemento è prezioso per il sostentamento di popoli e creature locali. Saraceno afferma che ogni profitto derivante dai lavori connessi alla Fondazione Aerocene venga diviso in tre parti: lo Studio, le gallerie e le comunità delle Salinas Grandes e della Laguna Guayatayoc, attraverso una ONG locale in Argentina.
La riflessione si estende a interrogarsi sull'origine degli ospiti e su ciò che accade quando un museo prende in considerazione i visitatori non-umani. L'accoglienza di cani nelle mostre, che contano nelle statistiche, solleva interrogativi sul potere decisionale in merito. Ci si chiede se uccelli e ragni vorranno rimanere, se alcune case per uccelli diventeranno stabili, e come remunerare i ragni/ragnatele, la cui autorialità e saggezza sono centrali in opere come "Web(s) of Life". Si cercano continuamente modi "non-estrattivi e sensitivi" per supportare la ricerca e le pratiche di coloro che, attraverso pratiche divinatorie come il Ŋgam dù, rivelano un vero dialogo interspecista. Il dibattito si allarga a come le sculture di "Cloud Cities", quando sono osservate, possano influenzare la percezione.
In definitiva, il termine "finanza frutta bagagliaio significato" nella sua apparente assurdità, ci spinge a guardare oltre le definizioni convenzionali. Ci invita a considerare il lavoro non solo come mezzo di sussistenza, ma come fondamento dell'identità e della libertà umana. Ci mette in guardia contro i pericoli della disumanizzazione tecnologica e finanziaria, e ci richiama alla necessità di un approccio più olistico, collaborativo e sensibile alla realtà, dove il processo creativo, la condivisione della conoscenza e il rispetto per tutte le forme di vita diventano principi guida per navigare le complessità del presente e costruire un futuro più autentico. La creatività artistica, il gioco, il linguaggio e la critica sociale si intrecciano, offrendo strumenti per comprendere e, forse, trasformare il significato stesso del nostro agire nel mondo.
Il futuro delle competenze nell’era dell’intelligenza artificiale. Una prospettiva internazionale
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